Année de production : 2011 Pays : Royaume-Uni Durée : 1h36 Réalisé par Chris Crow Ecrit par Chris Crow, Frazer Lee, John Shackleton, David Shillitoe Avec Scarlett Alice Johnson, Jack Gordon, Elen Rhys, Michael Jibson Budget :300.000 £ environ Titres : Panic Button (Royaume-Uni)

Panic Button surfe en effet sur la vague de la peur des réseaux sociaux, accusés de surveiller notre vie voire même ! de la diriger. Un débat à la con d’ailleurs, qui tournerait court si quelqu’un avait un jour la paire pour oser dire que ceux qui ne sont pas contents n’ont qu’à se désinscrire. Partant de ce principe, j’ai franchement hésité à quitter la salle lors de la projection de Panic Button, après avoir constaté avec dépit que les sièges du BIFFF n’étaient pas éjectables.

Imaginez que votre réseau social préféré vous a sélectionné pour un voyage luxueux à New York avec champagne et sièges en cuir. Seule condition : accepter de participer à un jeu « social » avec les autres voyageurs. A la clé, une voiture. Toute personne normalement constituée refuserait, mais faites un effort d’imagination. Vous vous retrouvez dans un jet privé avec trois autres pignoufs venus pour la même chose que vous : gagner. Devant vous, des écrans sur lesquels apparaît une tête de crocodile qui vous annonce que le jeu va commencer.

On a connu pires prémices, il faut bien se l’admettre. Les premières minutes sont plutôt amusantes, surtout après que les joueurs aient accepté les conditions du jeu sans les lire, puisque à partir de ce moment-là, on sait qu’ils sont fichus et que le crocodile ne va faire qu’une bouchée d’eux. Les gages qu’il donne aux participants montent rapidement dans les tours et on se retrouve dans des situations étranges où une lesbienne doit séduire un jeune homme qui tente de se débarrasser d’elle pour aller flinguer un autre type. Evidemment, s’ils n’exécutent pas les ordres, c’est un membre de leur famille qui sera exécuté par l’alligator sadique.

Ce qui démarrait plutôt pas mal s’est finalement avéré n’être qu’une pâle copie de Saw vaguement mise au goût du jour. On s’emmerde ferme non seulement parce qu’on connaît le sort qui attend les victimes mais, plus grave, parce qu’on se fiche royalement de les voir s’en sortir ou non. Qui plus est, Panic Button multiplie les incohérences. Pourquoi diable le tueur a-t-il entreposé les cadavres de ses précédentes victimes dans l’avion qu’il a fait prendre aux nouvelles, sinon pour provoquer un sursaut scénaristique lorsque les voyageurs découvrent des sacs de membres découpés dans la soute à bagages ?

Bref, malgré des acteurs pas trop mauvais et une mise en scène correcte, Panic Button peine à trouver un souffle et manque cruellement d’originalité. Un film qui restera anecdotique.

Pondération scientifique des rédacteurs

NOTE 4/10 BAREME DU GORE TROUILLOMETRE

	[+] Une bonne idée de départ [+] Des personnages plutôt convaincants
	[-] Manque d’originalité [-] Incohérences assez énormes

Année de production : 2011 Pays : Etats-Unis Durée : 1h24 Réalisé par Stig Svendsen Ecrit par Marc Rosenberg Avec Christopher Backus, Anita Briem, John Getz Budget :500 000 dollars environ Titres : Elevator (Etats-Unis)

Au moment d’aborder Elevator, les BIFFFeurs aux cheveux gris avaient probablement en tête De lift (1984), de Dick Maas, film presque aussi vieux que le festival qui fêtait cette année ses 30 ans d’existence. Mais alors que le film du Néerlandais était de nature fantastique (un des trois F de BIFFF, faut-il le rappeler), Elevator ne propose rien de tel, se contentant d’une simple panne qui, assaisonnée de négligence du service de dépannage et d’une suicidaire à la bombe, va devenir un véritable cauchemar, autant pour les protagonistes que pour le spectateur.

Le film commence par une scène des plus chiantes où l’on fait connaissance avec des personnages stéréotypés à souhait en sachant pertinemment qu’ils vont à leur perte. Mais on hésite encore : soit le réalisateur est scolaire à l’excès, soit il joue avec une audience qui aime d’autant plus les clichés qu’elle s’attend à ce qu’on les démolisse dans la joie, le sang et la bonne humeur.

Au lieu de ça, on assiste à un défilé de clichés sur les Juifs, les Arabes, les PDG, les secrétaires nymphomanes, les journalistes vedettes, les victimes de la crise et les gros qui, comme chacun sait, sont plus gentils que la moyenne. Monsieur Svendsen a certainement voulu bien faire, et à sa décharge le scénario, quoique extrêmement convenu, se prêtait bien, a priori, à ce genre de confrontations, mais hélas, cela ne sert aucune réflexion et c’est si peu subtil que ça confine au ridicule.

Le plus surprenant cependant est qu’il ne se passe rien ou presque pendant toute la première partie du film. Les scènes sans intérêt se succèdent avec des suspenses qui n’en sont pas (comme une ouverture de sac à main censé contenir une bombe qui prend des plombes), tandis que l’ennui s’installe inexorablement. On se réveille soudain lorsque le héros se fait arracher un bras, mais rien à faire : un membre arraché n’a jamais sauvé un mauvais film, et cet ersatz de climax n’aura eu pour seul effet que de nous soulever une paupière… aussitôt retombée.

Un décor minimaliste invite souvent le réalisateur à déployer des trésors de mise en scène. Ici, non. C’est, à quelques exceptions près, extrêmement plat. Cerise sur le gâteau, les acteurs, sans être archi-mauvais, ne semblent pas particulièrement décidés à sauver quoi que ce soit. Vous l’aurez compris, nous déconseillons vivement ce film, qui parviendrait à endormir les plus claustrophobes.

Pondération scientifique des rédacteurs

NOTE 3/10 BAREME DU GORE TROUILLOMETRE

	[+] Euh… Anita Briem ?
	[-] Ennuyeux [-] Pas inspiré [-] Bourré de clichés

Année de production : 2011 Pays : Etats-Unis Durée : 1h24 Réalisé par William Friedkin Ecrit par Tracy Letts Avec Matthew McConaughey, Emile Hirsch, Juno Temple, Thomas Haden Church, Gina Gershon Budget :10 millions de dollars environ Titres : Killer Joe (Etats-Unis)

Peu nombreux étaient sans doute ceux qui attendaient encore vraiment un retour du maître. A l’apogée de son art au début des années 70, Friedkin n’avait accouché, lors des deux décennies suivantes, que de films peu mémorables (à quelques exceptions près) et n’avait été, au fond, que l’ombre de lui-même. Depuis le sympathique Bug en 2006, il avait d’ailleurs totalement déserté le grand écran. C’est donc rien moins qu’un phénix renaissant de ses cendres qui est venu s’acquitter de la traditionnelle « chanson de l’invité » sur la scène de la 30e édition du BIFFF.

D’un seul coup d’aile, ce phénix balaye des années d’errances et s’envole bien au-delà de toute espérance, vers un soleil noir, glacial. Killer Joe est pourtant extrêmement terre-à-terre, avec l’Amérique profonde pour décor et des personnages idiots ou psychopathes, toujours pathétiques. Surtout, il place la violence au cœur du sujet.

Une violence toute familiale, puisque tous les personnages font partie de la même famille, à l’exception, justement, de Killer Joe. Ce dernier a été engagé par le père et le fils, avec le soutient de la sœur et de la belle-mère, pour assassiner la mère et, ainsi, toucher l’assurance. Une mère qu’on ne verra d’ailleurs pas une seule fois de tout le film, absence symptomatique de l’éclatement de la famille nucléaire qui est, nous explique Friedkin avant la diffusion, le thème central du film.

Homme de principes à la morale torse, Killer Joe incarne ainsi la violence inhérente à la désagrégation moderne de la famille, qui n’est plus ici qu’un rassemblement éphémère d’individus à la dérive dont les intérêts convergent pour des motifs pécuniaires. Même le seul lien d’amour qui subsiste entre le frère et sa sœur va s’avérer destructeur.

Extrêmement violent, le film est surtout particulièrement subversif. En témoigne la longue scène où Killer Joe, qui va sur sa cinquantaine, déflore Dottie, qui prétend avoir douze ans (rassurez-vous, l’actrice en a vingt-deux). Le passage est cependant moins malsain en lui-même (la scène ne contient aucune violence) que ne l’est le contexte dans lequel il se place, puisque Dottie est en fait la caution de Killer Joe et que virginité lui est prise sous l’œil indifférent d’un père sans scrupule. A nouveau, Killer Joe apparaît comme l’incarnation du chaos familial.

C’est sans doute cet aspect sexuel qui a effrayé les Etats-Unis, par ailleurs plutôt laxistes avec les effusions de sang. Le pays de l’Oncle Sam est en effet le seul, nous a dit Friedkin, à avoir coupé dans un film jugé « aberrant » par le comité de censure. Partout ailleurs dans le monde, l’œuvre n’a subi aucune retouche avant diffusion. L’exception américaine pose donc, une nouvelle fois, question. D’autant qu’en l’occurrence, la violence, le sexe et le sang sont au service d’un propos intelligent et intelligemment mis en scène.

Le fait que le scénario du film soit adapté d’une pièce de théâtre de 1993 de Tracy Letts n’est pas pour nous surprendre : les dialogues sont ciselés avec art, les répliques sont cinglantes et certaines scènes sont éminemment théâtrales, comme ce « repas familial », sorte de Cène dégénérée. Sans doute le film doit-il à la pièce son humour noir, acide qui naît de la lucidité des protagonistes par rapport à leur propre bêtise. C’est en somme la balourdise traitée avec élégance. Cela donne des dialogues savoureux, souvent désopilants.

Pour incarner cette subtilité, Friedkin s’est adjugé les talents d’acteurs particulièrement doués et appropriés. En tête d’affiche, on retrouve Emile Hirsch et Matthew McConaughey, excellent dans le rôle de psychopathe aux airs de gentleman, tout en brutalité retenue. Mais les têtes moins connues comme Juno Temple ou Thomas Haden Curch sont tout aussi bons. Ce dernier est tout simplement hilarant en père de famille raté au cerveau inversement proportionnel à sa masse musculaire. Juno Temple incarne quant à elle à la perfection cet instant-pivot entre l’espièglerie de l’enfance et la maturité de l’âge adulte.

Si vous n’avez pas trop peur de vous faire bousculer, courez voir Killer Joe. William Friedkin y a un insufflé toute son expérience et la fraîcheur de sa jeunesse retrouvée. Le résultat est un petit bijou d’humour noir, aussi intéressant en surface qu’en profondeur.

Pondération scientifique des rédacteurs

NOTE 9/10 BAREME DU GORE TROUILLOMETRE

	[+] Des acteurs au top [+] Un caractère subversif réjouissant [+] Une vraie réflexion sur la société et les individus [+] Très, très drôle
	[-] Âmes sensibles s’abstenir

Année de production : 2010 Pays : Canada / Etats-Unis Durée : 1h30 Réalisé par Kaare Andrews Ecrit par Paul A. Birket Avec Jessica Lowndes, Julianna Guill, Ryan Donowho Budget : ? Titres : Altitude (international)

Ce premier long-métrage de Kaare Andrews commence de manière réaliste, quoiqu’on soit, dès les premières minutes, un peu agacé par le caractère peu subtil des différents personnages. Mais les images sont jolies, la ligne scénaristique simple et l’on se laisse emporter. Cela ne durera pas. On se rend compte ainsi assez rapidement que Landon Liboiron, qui incarne le héros angoissé de l’aventure (Bruce), en plus d’avoir une tête faite pour recevoir des claques, joue comme ses pieds, et c’est peu dire. Il est éclipsé par tous ses congénères (qui pourtant ne sont pas des pointures), parmi lesquels les jolies Mel (Julianna Guill) et Sara (Jessica Lowndes), deux bonnes raisons pour ne pas donner au film un zéro pointé. On demande le responsable du casting !

Comme de bien entendu, le vol ne tarde pas à se gâter pour nos jeunes amis, qui foncent droit sur un nuage noir régulièrement lézardé d’éclairs olympiens des plus hostiles. Commencent à se succéder des situations rocambolesques (oui, c’est le mot) censées amener une transition vers le fantastique pur. Hélas, le temps que le spectateur comprenne ce qu’on lui veut, le mal est fait : le film a perdu toute crédibilité. Et cela n’ira pas en s’améliorant. Sans trop spoiler (mais qu’y a-t-il à spoiler, en vérité ?), disons simplement que le dénouement, bien que partant d’une intention louable, est extrêmement décevant et peu inspiré. Le thème central du film, l’angoisse de la mort et ce qu’elle peut gâcher de vie, est maladroitement dévoilé et mal exploité, avec un final dégoulinant et niais. Dans la construction, un (très) mauvais ersatz de Donnie Darko. A éviter, à moins de n’avoir vraiment rien d’autre à se mettre sous la dent.

Pondération scientifique des rédacteurs

NOTE 3/10 BAREME DU GORE TROUILLOMETRE

	[+] De jolies filles [+] Une idée de départ intéressante…
	[-] …mais très mal exploitée [-] Des situations absurdes [-] Un dénouement d’une niaiserie sans pareille [-] Un héros chiant

Année de production : 2010 Pays : Canada Durée : 1h52 Réalisé par Darren Lynn Bousman Ecrit par Scott Milam Avec Deborah Ann Woll, Shawn Ashmore, Rebecca De Mornay, Lisa Marcos Budget : environ 11 000 000 $ Titres : Mother’s Day (international)

Mais que ne ferait-on pas pour celle qui nous a mis au monde ? Ou qui nous a adopté (oups, pardon, ceci n’est pas un spoil) ? C’est de ce constat psychologique de base que part Mother’s Day, remake d’un film de 1980 – un peu tombé dans l’oubli, il faut bien l’admettre – de Charles Kaufman, à qui l’on doit peut-être la plus belle allitération dans un titre de film (Ferocious Female Freedom Fighters) et qui n’est autre que le frère de l’improbable Lloyd Kaufman, l’homme à la filmographie pléthorique qui a fondé dans les années 70 Troma, cette société de production qui n’a jamais fait que dans la série B, le sang, le vomis et le caca.

Après ces brèves présentations, retournons à nos moutons pour nous concentrer cette fois sur la famille de méchants qui sévit dans Mother’s Day, au désarroi suprême de jeunes gens qui pensaient passer une soirée au poil à boire des bières, jouer au billard et tromper leur conjoint dans les toilettes. En effet, trois truands de frères, s’étant attirés des ennuis, réinvestissent sans prévenir la maison de leur enfance qui, entretemps, a été acquise par d’honnêtes gens. Nos bandits de grand chemin tombent donc nez à nez avec les nouveaux occupants et leurs amis, venus partager une pils et plus si affinités. L’un des frères est grièvement blessé, le deuxième est un maniaque et le troisième est une brute. On réquisitionne le médecin parmi les gens qui se trouvaient là, pendant que les autres se demandent s’ils doivent rester là sans rien faire ou intervenir. Bref, c’est le bordel.

Heureusement, la mère des trois frères va venir mettre de l’ordre dans tout ça. Sa fille, timide au point de se cacher derrière un rideau de cheveux, l’accompagne. La maman, incarnée brillamment par Rebecca De Mornay, ne veut qu’une chose : qu’on lui rende une enveloppe pleine d’argent qui a été envoyée à cette adresse mais lui était destinée à elle. Et pour obtenir cette enveloppe, tous les moyens sont bons. Tantôt douce et prévenante avec ses victimes comme s’il s’agissait d’invités, tantôt impitoyable et cruelle, Rebecca De Mornay incarne à la perfection une vraie mère, douce et ferme à la fois, mais une mère légèrement psychopathe sur les bords. Un excellent choix du point de vue du casting, donc, mais qui, hélas, n’est guère confirmé par ailleurs.

Pour commencer, la dimension psychologique, freudienne même, qui aurait pu être exploitée ici n’est qu’à peine effleurée, le réalisateur préférant se concentrer sur les dissensions ridicules entre les victimes, qui s’avèrent toutes être des connards, des salopes et des enfoirés. Leur bêtise n’arrange rien et, comme si cela n’avait jamais été fait, on les voit se démener pour s’en sortir en se battant les uns avec les autres plutôt qu’en s’entraidant. Le tout s’avère extrêmement classique du début à la fin. Le seul point intéressant est que les méchants, bien qu’un peu dérangés du ciboulot, paraissent parfois presque plus normaux que leurs victimes, que l’adversité dévoile dans toute leur mesquinerie. Cet aspect est d’ailleurs symptomatique d’une partie de la carrière de Darren Lynn Bousman, qui a réalisé une partie des Saw où, comme chacun sait, on insiste particulièrement sur l’immoralité des victimes de Jigsaw.

Mis à part ça, on marche en terrain balisé. Aucune originalité ne vient égayer un film par ailleurs honnête, alors que le cadre et les personnages offraient de potentiels développements intéressants. Très peu ambitieux, Mother’s Day se contente de remplir son contrat de remake satisfaisant, sans plus. Il semble donc que Bousman, après l’étrange Repo ! The Genetic Opera, soit revenu à du conventionnel, ce qui semblait être la voie qu’il avait empruntée avec Saw II, III et IV.

Pondération scientifique des rédacteurs

NOTE 5/10 BAREME DU GORE TROUILLOMETRE

	[+] Une Rebecca De Mornay très convaincante en mère poule psychopathe [+] Un point de vue intéressant et impitoyable sur les victimes
	[-] Cruel manque d’originalité [-] Ni très drôle, ni très effrayant, ni très malsain [-] Une histoire qui ne décolle pas [-] Des situations vues et revues

Année de production : 2010 Pays : Corée du Sud Durée : 1h55 Réalisé par Chul-soo Yang Ecrit par Kwang-young Choi Avec Yeong-hie Seo, Seong-won Ji, Min-ho Hwang Budget : environ 700 000 dollars Titres : Bedevilled (international), Kim Bok-nam salinsageonui jeonmal (original), Blood Island (DVD)

Certains s’en sont réjouis, d’autres ont été quelque peu déçus : le BIFFF 2011 donne une place de choix au cinéma asiatique – c’est le moins qu’on puisse dire. Un 7ème art parfois radicalement différent de celui auquel on est habitué, productions américaines et européennes en tête. Mais quels qu’étaient les a priori des spectateurs du festival, Bedevilled semble avoir fait unanimité ou presque. L’histoire, assez tragique, s’autorise néanmoins une apothéose gorissime et un humour tout coréen qui n’a pas manqué de faire mouche auprès du public.

Ce second degré qui s’invite dans les situations dramatiques semble être une caractéristique du cinéma coréen (d’après notre faible expérience en la matière en tout cas), qui exploite sans hésiter le comique potentiel des scènes les plus graves, là où le cinéma à l’occidentale considère plutôt ces deux visions comme exclusives l’une de l’autre. On adore ou on déteste, mais cela ne laisse pas indifférent. Pour être tragique, l’histoire de Bedevilled l’est sûrement : on suit une jeune femme qui, fatiguée par le stress de Séoul, la capitale, décide de prendre quelques vacances sur l’île où elle a grandi. Elle y retrouvera Kim Bok-nam, son amie d’enfance, qui s’avère être le véritable personnage principal de cette histoire. D’un abord chaleureux et enjoué, Kim Bok-nam souffre en silence. Brimée et exploitée par ses grands-mères, violée par son beau-frère, trompée dans la chambre conjugale par son conjoint qui se rend en plus coupable d’attouchements sur sa fille, elle endure tout en espérant s’évader un jour, avec sa fille, vers Séoul. Jusqu’au jour où, après un terrible événement, tout bascule.

Film très engagé, Bedevilled n’en fait jamais trop et préfère jouer sur les non-dits et les électrochocs visuels, donnant au final une peinture toute en subtilité et atteignant même des sommets dans son dernier tiers avec un déchaînement de violence presque poétique. Visuellement, le film s’autorise quelques originalités, pour ne pas dire quelques excentricités. Cela paraîtra selon les moments et selon le spectateur tantôt un peu naïf, tantôt drôle, tantôt lyrique. Parfois, on se demande si l’effet était bien celui escompté.

Toujours est-il que Bedevilled constitue une expérience intéressante, sans avoir la densité et la clarté d’un chef-d’œuvre. Les dernières minutes du film, par exemple, nous ont semblé être de trop : trop de surenchère, trop d’intentions palpables. Certains critiqueront le côté caricatural des personnages qui entourent l’héroïne, véritables incarnations du Mal au quotidien. Mais si le trait est forcé, c’est parce que le réalisateur l’a voulu. Comment expliquer, sinon l’ambivalence du personnage de Hae-won qui, sans jamais faire directement de mal à personne, laisse, par sa passivité, le mal être fait ?

Pondération scientifique des rédacteurs

NOTE 7/10 BAREME DU GORE TROUILLOMETRE

	[+] Deux actrices principales excellentes [+] Une très belle photo [+] Un film engagé [+] Un humour second degré très efficace
	[-] Quelques acteurs pas à la hauteur [-] Quelques scènes superflues [-] Des personnages trop méchants pour être vrais

Année de production : 2010 Pays : Etats-Unis Durée : 1h45 Réalisé par Robert Rodriguez Ecrit par Robert et Alvaro Rodriguez Avec Danny Trejo, Michelle Rodriguez, Jessica Alba,… Budget : environ 10 millions de dollars

Machete, l’homme à la machette aussi aiguisée que la moustache, est incarné par le légendaire Danny Trejo, vieux loup de mer au visage buriné qui a enchaîné les seconds rôles avec une régularité record depuis les années 90, figurant d’ailleurs ainsi au palmarès des acteurs les plus prolifiques de l’histoire. Or c’est à un cousin éloigné, Robert Rodriguez, réalisateur de son état, que Trejo dut en 2010 son premier premier rôle au cinéma. Cette collaboration entre les deux hommes n’en était pas à son coup d’essai, mais jusqu’alors, Rodriguez ne lui avait offert que des seconds rôles… notamment celui de Machete.

Car le personnage de Machete n’en est pas à sa première apparition au cinéma, mais bien à sa cinquième. Voilà un fait qui pourra surprendre ceux (dont nous faisons partie) qui n’ont vu aucun des trois épisodes de Spy Kids. Dans cette série de films réalisés justement par Robert Rodriguez, Machete était un gentil. La moralité du personnage fut nuancée avec sa quatrième apparition dans une fausse bande-annonce (qui deviendrait rétrospectivement une vraie !) diffusée juste avant le film Planet Terror (2007), de Rodriguez (encore lui), film au style rétro qui devait initialement être diffusé en diptyque aux côtés de Death Proof, de Quentin Tarantino. Cette bande-annonce, qui nous présentait un Mexicain chevelu expert en maniement de machette et chevauchant une moto avec une énorme mitrailleuse sur le guidon avait réveillé l’instinct animal de toute une frange de la population masculine qui, presque aussitôt, avait sommé Rodriguez d’en faire un long-métrage. Ce dernier ne se fit pas (trop) prier.

Résultat : en 2010 sortait un spin-off sacrément burné narrant les aventures et prouesses (notamment sexuelles) de Machete, un Mexicain armé jusqu’aux dents et prêt à prendre sa revanche après avoir été lâchement trahi. On s’arrêtera là pour le scénario, qui ne nécessite pas de grandes digressions et est avant tout un prétexte à des scènes toutes plus rock’n’roll les unes que les autres.

Notez que ce qui n’est après tout qu’un énorme délire se paye le luxe d’un casting de haute volée. Côté féminin, on retrouve ainsi Jessica Alba, Michelle Rodriguez (qui, elle, n’a rien à voir avec Robert) ou encore Lindsay Lohan. Un plaisir pour les yeux de la gente masculine, à qui le film est clairement dédié. Côté masculin, ce sont encore les garçons qui seront heureux comme des gamins de retrouver les héros de leur enfance, Robert de Niro et Steven Seagal en tête. Bref, Machete a été clairement conçu pour une bande d’ados attardés. Et c’est pour ça qu’il est si bon.

On retrouve en effet tout le nécessaire pour que le mâle qui n’en peut plus des comédies romantiques (pour faire plaisir à sa copine), des reconstitutions historiques (pour faire plaisir à ses grands-parents) et des dessins animés nunuches (pour faire plaisir à sa petite sœur) nage en plein bonheur : grosses cylindrées, armes blanches, armes à feu, explosions, bagnoles, répliques assassines et, bien sûr, gonzesses à poil. Sur ce dernier point, il faut dire qu’on est servi. Rien que dans la scène d’introduction (au grain rétro particulièrement efficace), une superbe nymphe se trimballe en tenue d’Eve devant les yeux ébahis de Machete (si tant est qu’il puisse ressentir des sentiments) et du spectateur.

Ne vous attendez donc pas à de la grande finesse cinématographique. Machete trempe sa plume (comprenez son membre) dans le plumard, écrit sa prose dans le bide de ses ennemis et signe avec leur sang. Le film recèle en effet quelques moments gores, dont la fameuse scène où Machete se sert de l’intestin du mec qu’il vient d’éventrer comme d’une corde pour s’évader. Pure genious. On rigole bien, c’est sûr, y compris quand Machete se tape une mère et sa fille en même temps pour ridiculiser le père de la première et mari de la seconde. C’est d’autant plus drôle quand on connaît la dégaine de Trejo, qui n’est certes pas meilleur que d’habitude (on ne peut pas dire que le bougre mérite un oscar) mais assume parfaitement son rôle de personnage mono-expressif qui n’a jamais vraiment l’air de sortir de ses gonds même lorsqu’il est censé bouillir de colère.

Outre toutes ces qualités, Machete est bourré de seconds rôles tout simplement délicieux, comme ce sympathique prêtre qui a troqué sa Bible et son crucifix contre deux shotguns (un dans chaque main). Cependant, on mettra un ou deux bémols à cette indéniable réussite. D’abord, une certaine inégalité de rythme en fonction du déroulement de l’histoire, arythmie qui aurait pu être évitée dans la mesure où, on l’a dit, le scénario n’est jamais qu’un prétexte à un défoulement immature et testostéroné. Ensuite – et il s’agit ici d’un détail, mais d’un détail qui a son importance -, la fameuse scène où Machete enfourche une moto armée d’une gatling, attendue pendant tout le film puisqu’il s’agit de l’image de la bande-annonce qui avait particulièrement marqué les esprits, cette scène ne dure en fait que quelques secondes. Grosse déception personnelle, je l’avoue.

Vous l’aurez compris : Machete est un film à voir, en particulier si vous avez une âme de gosse tapageur et un peu pervers. Ses quelques faiblesses sont vites effacées par un casting de rêve, des idées marrantes et des scènes d’action qui sentent la poudre et l’hémoglobine. Machete se permet même de critiquer avec une bonne dose d’humour la politique d’immigration américaine. Lâchez-vous donc et n’hésitez pas à aller dans le cliché sexiste : sortez la bière, la pizza et vos potes geeks. C’est l’occasion ou jamais.

Pondération scientifique des rédacteurs

NOTE 8/10 BAREME DU GORE TROUILLOMETRE

	[+] Un casting au top [+] Une moustache d’enfer [+] Des motos customisées [+] Des jolies filles [+] Des scènes d’action poilues
	[-] Quelques longueurs (mais rien de grave) [-] La scène de la moto ne dure que quelques secondes !

Année de production : 2007 Pays : États-Unis, France, Espagne Durée : 1h35 Réalisé par Rodrigo Cortés Ecrit par Chris Sparling Avec Ryan Reynolds, José Luis García Pérez, Robert Paterson Budget: $3,000,000

Paul Conroy est un américain lambda ou presque. Sa particularité est qu’il travaille en Irak. Mais ce n’est ni un militaire, ni un diplomate, ni un garde-du-corps de diplomate. Paul est conducteur de camion. Son convoi est violemment arrêté par des « terroristes », après quoi il se réveille dans une boîte. Entre les deux, le trou noir. Paul se rend compte assez vite qu’il se trouve à quelques pieds sous terre et que son seul espoir de survie réside dans un téléphone portable (pas le sien) qui se trouvait justement dans la même boîte que lui. Dès lors, l’entièreté du film consistera en des appels désespérés de Paul pleins de pétages de plombs et d’incertitudes insupportables.

Sans vouloir jouer les cœurs de pierre, il faut dire que Paul est du genre agaçant. D’abord à cause de cette manie qu’il a de jouer les Caliméro alors qu’il est venu dans un des pays les plus dangereux du monde de son plein gré. On nous rétorquera que c’était pour nourrir sa famille, mais c’est tout de même un peu couillon ; il y a plein d’autres manières de gagner de l’argent. Écrire un best-seller par exemple. Mais je m’égare. Secundo, Paul a tendance à hausser un petit peu le ton dès qu’on essaye de l’aider, ce qui n’est pas très productif.

Plus sérieusement, ce qui nous a (un peu) tapé sur les nerfs, c’est ce parti pris de faire un film « concept » avec à peu près rien, puisque tout se déroule dans le cercueil de Paul, de la première à la dernière seconde. Pourquoi pas, a priori. Sauf qu’après quelques premières minutes de vrai stress pour le spectateur qui est, comme Paul, pendu à la voix qu’émet le téléphone, si proche et si lointaine à la fois, cela devient assez ennuyeux. Car passée cette entrée en matière efficace, on s’attend à une intrigue, des révélations, des rebondissements. Eh bien pas du tout. Paul est simplement balloté entre un officier qui lui promet qu’on le retrouvera et son ravisseur qui le prie de bien vouloir se couper le doigt, filmer le tout et l’uploader sur YouTube pour montrer que ce n’est pas de la rigolade. Tout cela ne valait certainement pas un long-métrage.

Quant à l’argument selon lequel il s’agirait d’un film génial parce « claustrophobique », vous pouvez l’oublier. Tout le monde est au moins un peu claustrophobe ; c’est dans la nature humaine. Le fait que Buried joue sur ce sentiment n’en fait pas, en soi, un bon film. L’élément réellement interpelant est plutôt la détresse de Paul, même si cette « empathie » a de quoi rendre le spectateur un peu mal à l’aise. C’est un peu comme quand on vous montre des images de bébés phoques en train de se faire dépecer vivant, pour faire un parallèle douteux : vous ne pouvez pas être indifférent. Le film ne s’appuie donc pas sur une quelconque virtuosité, mais sur un décor unique de cercueil (le côté conceptuel) et surtout sur un héros qui est un pauvre « sukkeleir* » (expression bruxelloise particulièrement appropriée) et pour lequel on ne peut qu’avoir de l’empathie. Un peu « facile. »

Le tout est accompagné de réflexions plus ou moins ronflantes sur l’indifférence, la manipulation et le désespoir de certaines personnes qui ont tout perdu. Seul le « twist » final, qui n’est compréhensible que si on a bien tout suivi (ce qui n’est pas gagné d’avance) nous a réellement interpelés. Bref, Buried partait, comme c’est souvent le cas, d’une bonne idée, mais s’avère au final plutôt ennuyeux et même un peu prétentieux.

* : en gros, un pauvre bougre qui sue sang et eau pour un résultat minime, qu’on ne peut que plaindre.

Pondération scientifique des rédacteurs

NOTE 3/10 BAREME DU GORE TROUILLOMETRE

	[+] Une bonne idée de départ (pour un film, s’entend) [+] Un effet « claustrophobique » garanti [+] Une critique efficace de l’inertie et de l’indifférence
	[-] Un Paul Conroy à baffer [-] Un scénario prétexte [-] Pas captivant du tout passées les premières minutes

Année de production : 2010 Pays : Etats-Unis Durée : 1h31 Réalisé par Steven R. Monroe Ecrit par Meir Zarchi (1978 screenplays), Stuart Morse Avec Sarah Butler, Jeff Branson and Andrew Howard

I Spit On Your Grave cru 2010 répond on ne peut mieux à l’énoncé du genre cinématographique auquel il appartient, puisqu’il s’agit en substance d’un viol (collectif) suivi de la vengeance sanglante de la victime. Jennifer, jeune et jolie auteure, s’isole dans un chalet pour y écrire son nouveau roman. Elle qui s’attendait à une retraite pépère se retrouvera violée (dans tous les sens du terme) par un groupe de locaux complètement tordus qui puent la cruauté et la perversité. Abusée par chacun d’entre eux, laissée pour morte, elle se livrera à une vengeance sans pitié…

Rarement il nous a été donné d’être les spectateurs de scènes aussi difficilement soutenables. Nous qui sommes habitués à commenter jusqu’aux passages les plus trash étions parfaitement muets durant toute la (longue) scène de viol de Jennifer qui, faut-il le préciser, n’avait rien demandé à personne et était seulement coupable d’avoir impressionné un type de la station-service. La cruauté et la violence montrées à l’écran dépassent de loin tout ce que vous avez déjà pu voir. Avis, donc, aux âmes sensibles et même aux âmes non endurcies.

La vengeance de Jennifer s’avère donc particulièrement jouissive pour le spectateur. Une véritable catharsis. Cependant, la violence des tortures que Jennifer inflige à ses bourreaux pourra mettre certains (dont je fais partie) mal à l’aise. Où est la justice* ? Ce sont des ordures, mais ont-elles vraiment mérité ça ? Même si le film ne pose pas explicitement la question, il la contient en puissance. En outre, doit-on se sentir coupable d’apprécier cette vengeance gore à souhait ? Certains pourraient voir dans le film une tentative de justifier les représailles les plus atroces. Ce n’est pas le cas. I Spit On Your Grave est cathartique et ne porte pas un message ; ce n’est pas la réalité, mais une œuvre cinématographique, en vertu de quoi elle peut se permettre ce déchaînement de cruauté et de brutalité. Libre à nous, ensuite, de discuter de questions morales.

Abstraction faite de toutes ces (nécessaires) considérations, il faut bien admettre que la vengeance de Jennifer est grisante, quoiqu’éminemment dégueulasse, avec des tortures particulièrement inventives qui feraient passer Saw pour un conte pour enfants. Aucun suspense ici : on sait ce qu’il va se passer (même si on n’en connait pas forcément les modalités) et comment cela va se terminer. Le film a donc d’autant plus de mérite de parvenir à nous captiver jusqu’au bout. Il faut dire que Monroe n’a pas lésiné sur l’aspect gore, et les amateurs de sensations fortes seront ravis. Mais si I Spit On Your Grave nous a tant convaincu, c’est surtout grâce à une mise en scène efficace, où le regard du spectateur est d’ailleurs mis en question par la caméra d’un des violeurs, qui ne peut s’empêcher de tout filmer. Mention aussi aux acteurs, tous excellents, en particulier Andrew Howard dans le rôle du shérif au double visage, aussi pervers que père de famille.

* : La réponse est en fait donnée dans le film : puisque même le shérif est un enfoiré, il n’y a plus d’autre solution que de se faire justice soi-même. La violence de Jennifer est d’autant plus légitimée.

Pondération scientifique des rédacteurs

NOTE 8/10 BAREME DU GORE TROUILLOMETRE

	[+] Cathartique [+] Très bons acteurs [+] Excellente réalisation
	[-] Un genre contestable

Année de production : 2010 Pays : Etats-Unis, France, Argentine Durée : 1h31 Réalisé par Marcos Efron Ecrit par Jennifer Derwingson, Marcos Efron Avec Amber Heard, Karl Urban, Odette Yustman Studio Canal

Stéphanie et Elie, deux filles très désirables, passent leurs vacances dans la cambrousse argentine (1ère erreur), et décident de quitter le groupe touristique auquel elles étaient liées pour s’offrir une petite virée hors des sentiers battus (2ème erreur), sans doute par manque de sensations fortes ou par quête d‘évasion. En effet, l’une d’elle se languit de son amoureux infidèle et l’autre aguiche tous les gringos de la région avec quelques accoutrements outrageusement sexy (3ème et fatale erreur). Grand mal lui en prend, car avec son petit corps de rêve, elle a éveillé la passion d’un jeune gars de la région qui, en plus d’avoir jeté son dévolu sur elle, lui réserve un petit kidnapping en bonne et due forme. S’ensuit une lente, très lente “enquête” d’un trio de personnages chiants comme la mort.

Scénario ultra vu et revu donc pour ce remake qui passera sans doute inaperçu dans le monde des films d’horreur. C’est principalement la faute à des situations incohérentes, des réactions improbables et un manque de jugeote évident et énervant des deux minettes. D’ailleurs, venons-en directement au seul point positif du film qu’a relevé l’équipe d’Empty Orbit, au risque de passer définitivement pour des obsédés : les deux actrices principales, malgré des talents de comédienne difficilement discernables, sont vraiment des canons de beauté et n’importe quel mâle doté d’un minimum d’acuité visuelle pourra se rincer l’oeil. Mais ne quittez pas la page mesdemoiselles, car vous êtes aussi gâtées avec le charmant Karl Urban (Eomer dans le Seigneur des Anneaux), qui pour le coup, donne vraiment l’impression de se demander ce qu’il fout dans ce merdier, campant assez maladroitement un vacancier à la recherche de sa petite amie perdue dans la région.

Une belle brochette d’acteurs est donc au menu d’And Soon the Darkness, ainsi qu’une intrigue très prévisible, sans suspense ni rebondissements. En outre fleurissent des clichés gros comme des départements comme par exemple ce flic argentin qui pue la malhonnêteté à plein nez (tous pourris !). Si vous cherchez un film d’horreur touristique avec un décor latino-américain, attardez-vous plutôt sur le bon Turistas ou dans un registre plus fantastique, The Ruins, qui vous raviront davantage que ce remake sans grand intérêt.

Pondération scientifique des rédacteurs

NOTE 3/10 BAREME DU GORE TROUILLOMETRE

	[+] De très beaux maillots de bain [+] Des robes sexy [+] Bonne photo [+] De beaux paysages argentins
	[-] Un scénario prévisible [-] Aucun suspense, aucune tension palpable [-] Des situations et réactions incohérentes et stupides [-] De mauvaises (bien que bonnes) actrices et un Karl Urban qui ne sait même pas dans quel film il joue [-] Des gros clichés bien lourds