My Bloody Valentine, slasher canadien, peut se féliciter d’être ancré dans les esprits des connaisseurs et fait souvent figure de référence à cotés des Black Christmas, Haloween ou encore Friday the 13th. Définissant l’essence même du film de slasher, le film a malheureusement été victime d’un manque de budget et surtout d’une censure extrême lors de sa sortie. Ces interdictions ont d’ailleurs seulement été levées  en janvier 2009, juste avant la sortie de son remake 3D, révélant ainsi dans une nouvelle édition les 9 fameuses scènes gores qui avaient froissé les yeux de la MPAA (Motion Picture Association of America) en 1981. 30 ans après, Empty Orbit est là pour décortiquer ce classique en version unrated qui, croyez-nous, vaut son pesant de cacahuètes.

My Bloody Valentine invente les ingrédients qui feront partie,  ad vitam eternam, de la définition même du genre : un slasher, en quête de vengeance suite à un traumatisme personnel, revient à la lumière du jour pour terroriser un groupe d’individu donné, en suivant généralement un code, une ligne de conduite. Ici, il s’agit d’un mineur qui arrache le cœur de ses victimes lors de la St-Valentin et les expose en guise d’avertissement pour les autres. Car en effet, dans ce petit village de mineurs du coté de Nova Scotia, les habitants préparent une fête pour l’occasion alors qu’ils ne l’avaient plus fait depuis les faits tragiques qui se sont passés dans la ville il y a tout juste vingt ans, à la même période. Harry Warden avait en effet sévi dans la région et commis d’affreux crimes. Malheureusement, de nouveaux meurtres sont perpétrés et les indices laissés sur les lieux semblent concorder avec les faits précédemment cités. Le shérif mène tant bien que mal son enquête avec le Maire et tente de mettre des bâtons dans les roues de la bande de jeunes du village qui eux, ne souhaitent que s’amuser.

C’est ainsi que le tueur, déguisé en mineur et munit de sa fidèle pioche, s’adonne à quelques tueries bien dégoulinantes de sang. La version Unrated du film délivre des scènes gores tout à fait rares pour l’époque. Sans doute le film serait-il plus culte  encore si il n’avait pas été amputé par la censure. Au delà des effets spéciaux, on se retrouve devant des acteurs assez médiocres et une intrigue plutôt molle. Malgré cela, on ne peut qu’apprécier cette ambiance insouciante qui contribue à faire du film un incontournable du genre. Certaines scènes sortent véritablement du lot (celle du jeu des couteaux est exceptionnelle et a provoqué une certaine hystérie dans l’antre d’Empty Orbit) et quelques personnages dont le gros moustachu sont franchement fendards.

My Bloody Valentine ne propose donc rien de véritablement profond ni de recherché. Loin de faire peur,  il divertit  néanmoins (ce qui n’est déjà pas si mal) et a le mérite, malgré le peu de moyens financiers, d’avoir popularisé le genre qui a engendré des centaines de long-métrages au cours de ces trente dernières années. Si la version classique du film présente peu d’intérêt pour les non-initiés, la version non-censurée rivalise étonnamment avec les grosses productions gore des années 2000 et saura trouver facilement son public.

Valentine et Earl sont deux cow-boys sympathiques et débrouillards, hommes à tout faire à plein temps. Selon les jours, ils sont déménageurs, installateurs de clôtures ou ramasseurs de crotte du seul bled de la vallée : Perfection, quatorze habitants, eux deux compris. Lassés de cette situation, ils décident de quitter la zone, résistant héroïquement aux avances de Mme Nancy qui leur offre bière et repas pour une prochaine livraison de bois, ce qui nous vaut une première réplique en or : « I can’t believe we said no to free beer ! »

Les deux compères auraient cependant mieux fait de partir la veille. Aidés par une jolie étudiante en sismologie, ils découvrent que les récentes secousses sont dues à quelques vers géants anthropophages qui se déplacent sous la terre à la recherche de viande fraîche. Les amateurs de science-fiction auront tout de suite repéré la référence à Dune et son ver des sables, mais la comparaison s’arrête là. Les « grapoïds » (traduire « attrapoïdes ») – comme les ont appelés les habitants de Perfection, d’abord plus occupés à leur trouver un nom qu’à tenter de leur échapper -, sont un peu plus grands qu’une voiture et vous attrapent avec des serpents sortis de leur gueule. Bien qu’invertébrés, ils disposent d’une carapace qui résiste aux cartouches « spéciales éléphants », sinon ce serait trop facile. La seule solution semble alors de rejoindre les montagnes, que les vers géants ne peuvent pas manger.

Difficile cependant d’échapper à ces créatures qui avancent bien plus vite que ne court un être humain et qui se repèrent à la moindre vibration du sol. Première méthode infaillible : le saut à la perche de rocher en rocher (une scène absurde mais assez drôle). Deuxième technique : le bulldozer de 30 tonnes. L’art de la débrouillardise de Valentine et Earl va ainsi les consacrer comme leaders de la bande. Mis à part quelques tensions mineures, tout le monde se sert les coudes et, l’air de rien, cela fait du bien après tous ces films qui font mine de complexifier leur trame avec des conflits d’intérêt… sans intérêt.

D’ailleurs, personne n’est méchant ou mal intentionné dans Tremors, sinon les vers. Très peu gore, le film reste dans la suggestion et l’ambiance est franchement à la rigolade. Chaque tirade ou presque est drôle, d’autant plus si elle sort de la bouche du nonchalant Valentine (Kevin Bacon), dont rien que l’expression est hilarante, mais peut-être est-ce parce qu’il me fait penser à Jim Carrey. Quand il nous lâche dans son américain profond des réflexions du genre « Hey, check this out ! I found the ass end ! », on se dit qu’on atteint des sommets et on s’essuie une larme au coin de l’œil. Bacon était taillé sur mesure pour ce rôle, et le comique du film repose en grande partie sur son duo avec Fred Ward. La complicité des deux acteurs se ressent d’ailleurs dans celle de leurs personnages.

Mais la palette de protagonistes recèle aussi quelques magnifiques seconds rôles, à commencer par Mr Chang, qui a à peine aperçu un morceau de ver qu’il le rachète à Valentine et Earl pour proposer à ses clients de faire une photo avec le monstre, pour la modique somme de 3$. Ironie du sort ? – il se fera happer par la créature qu’il voulait commercialiser. Ensuite, il y a Mr et Mme Gummer, un couple un peu fêlé qui cache une armurerie dans sa cave et bricole des bombes artisanales pour botter le cul des vers géants ; des pros de la gâchette qui n’hésitent pas à sortir la grosse artillerie, en somme.

Sans aucune prétention et presque « tout public », Tremors vous fera passer à coup sûr un excellent moment, avec son humour un peu absurde, sa galerie de personnages attachants et son rythme soutenu, sans longueur. Les effets spéciaux, assez corrects, sont ni plus ni moins à la hauteur de ce que l’on attend pour ce genre de film ; on verrait parfois presque les fils qui tirent les serpents, mais après tout c’est loin d’être l’essentiel. On terminera avec cette citation quasi philosophique de Valentine: « See, we plan ahead, that way we don’t do anything right now. Earl explained it to me. »

The Possession of David O'Reilly – Trailer
envoyé par dreadcentral. – Court métrage, documentaire et bande annonce.

Une île perdue, un hôpital psychiatrique, un vieux fort reconverti en prison pour aliénés, un cimetière au fond des bois, un phare mystérieux, des cachettes dans les rochers sur la côte, un jeune inspecteur et des psychiatres à l’accent allemand suspect : voilà un cocktail des plus classiques, hommage à la série B des années 50, par le maître Scorsese.

Voici donnée d’emblée la réponse à la question que certains auraient pu se poser quant à la légitimité d’une chronique de Shutter Island sur Empty Orbit. (Après tout, on aurait pu simplement vous répondre qu’on fait ce qu’on veut, un point c’est tout.) Niveau casting, il est vrai que le film tient plutôt du blockbuster. Et s’il en est bien un de fait, sa réalisation tient plutôt du « film d’exploitation », comme on disait encore il n’y a pas si longtemps.

Il y a d’abord à l’origine le livre éponyme de Dennis Lehane (auteur, entre autres, de Mystic River), qui baignait déjà dans une ambiance fifties, avec tous les clichés que cela suppose, de manière complètement assumée. Ensuite, il y a Martin Scorsese et son amour avoué (confessé ?) pour le cinéma B. D’ailleurs, il dit lui même être un grand fan de Jacques Tourneur. Ainsi, le caractère « commandé » de ce film de studio n’a pas empêché Scorsese de s’en donner à cœur joie. Il passe même pour avoir diffusé, pendant le tournage, des films d’époque, de série B, aux comédiens et à l’équipe technique.

Visuellement aussi, on note un aspect retro, notamment dans les transitions, les schémas narratifs, la musique… même si quelques effets spéciaux bien contemporains sont de la partie et si le grain de l’image est celui d’un film actuel. Le tout sans rien enlever à la maestria de Scorsese, qui maîtrise son sujet de bout en bout. A l’objection selon laquelle on ne retrouverait pas vraiment la « patte » habituelle de Scorsese dans Shutter Island (ce qui est vrai), l’on répondra que c’est peut-être justement sa particularité que d’exceller quel que soit le style adopté, à plus forte raison s’il s’agit d’un genre qu’il affectionne. Shutter Island est un hommage dépourvu de nostalgie, et c’est peut-être pour cela qu’il est si réussi.

Leonardo DiCaprio, au sommet de sa forme, rempile avec Scorsese pour la quatrième fois d’affilée (après Gangs of New York, Aviator et The Departed), et le tandem est désormais parfaitement rôdé, s’il ne l’était pas déjà dès le début.

Shutter Island remplit son contrat au-delà des espérances. Tantôt effrayant, tantôt réellement émouvant, la plupart du temps carrément jouissif grâce à une mise en scène qui sert l’intrigue de façon magistrale, il a tout d’un classique. Autre tour de force, les dialogues sont parfois longs mais toujours enlevés et jamais ennuyeux. Le twist final, bien qu’attendu, est cependant très bien amené. On pouvait cependant espérer secrètement un « contre-twist », un retournement de situation supplémentaire qui n’eût pas paru excessif dans un film de ce genre. Néanmoins, le final, en forme de proverbe, sonne parfaitement juste et clôture le film comme il se doit, en l’ouvrant, pour quelques heures encore, à la réflexion du spectateur.

Quelle claque. Une renaissance. La puissance de Donnie Darko est tout simplement phénoménale. Le film, organique et extrêmement complexe, est néanmoins d’une cohérence implacable. Premier long-métrage de Richard Kelly, il ressuscite le cinéma et lui offre une vocation magnifique : celle d’être un admirable et émouvant bordel, à l’image de la vie.

Impossible de résumer Donnie Darko. Chaque détail compte. Bornons-nous donc à un pitch fade : Donald Darko est un jeune homme psychologiquement perturbé. Dans ses rêveries, il rencontre Frank, un inquiétant lapin géant (vous rirez moins quand vous le verrez à l’écran) qui, par ses appels à Donnie, lui évite d’être écrasé par un réacteur d’avion tombé sur sa chambre. Frank annonce alors à Donnie qu’à compter de ce moment, il lui reste 28 jours et des poussières avant la fin du monde. Donnie, sous l’impulsion de Frank, se lance dans des quêtes impossibles, qu’il réalisera néanmoins, notamment celles de l’amour et du voyage dans le temps.

La grande force du film réside dans sa volonté, non de décrire la psychologie du personnage, mais de plonger directement le spectateur dans les abîmes terrifiants de son héros, avec un moyen infaillible : transcrire visuellement les perceptions et hallucinations ( ?) de Donnie. Les soubresauts du temps sont ainsi matérialisés à l’écran. Kelly réfute toute objectivité et tout jugement, au sens le plus large et le plus profond. Le spectateur est Donnie : il peut ressentir ses peurs, ses pulsions et ses angoisses, aussi difficiles soient-elles à interpréter. Rarement un réalisateur aura autant donné la possibilité de s’identifier à son personnage.

Dès lors, le film peut battre en brèche certaines idées préconçues sur les troubles mentaux, et notamment la tentation de réduire la problématique à des systèmes simplistes. Kelly croit, comme son héros dont on devine avec émotion qu’il en est le prolongement, en la complexité du monde, et a bien du mal à supporter les simplificateurs, dont il démonte l’hypocrisie avec une sorte de désespoir. La société américaine en prend pour son grade, parfois un peu à la façon d’un American Beauty. Mais de manière générale, c’est la bêtise humaine qui est dénoncée, même si, ici, c’est le drapeau américain qu’elle agite avec fierté.

En arrière-plan plane constamment le spectre menaçant de la fin du monde, obsession de Kelly (que l’on retrouve dans ses deux autres films : Southland Tales et The Box) et ultime délai de Donnie, avec la question universelle mais posée ici magistralement : « ma fin est-elle aussi la fin du monde ? »

Plus concrètement, soulignons l’excellente prestation de Jake Gyllenhaal, dont c’est l’un des premiers films, ainsi que la virtuosité de mise en scène de Richard Kelly, proprement impressionnante pour un premier long-métrage. Kelly nous offre en sus quelques séquences clipesques avec des angles de vue inédits, des effets d’accélération et de ralentis, mais jamais crânement. Il le dit lui-même : les ralentis permettent de s’attarder sur des détails qu’on louperait à vitesse normale. La bande-son est révélatrice d’une autre qualité de Kelly, qui a tendance à se perdre chez les réalisateurs : l’affinité avec la musique. Pour coller à l’ambiance années 80’, époque à laquelle se déroule le film, il nous lâche force Tear for Fears ou, mieux, demande à son ami Gary Jules de réaliser une reprise, meilleure que l’original, de Mad World.

Donnie Darko n’est pas seulement un film pour les geeks qui voudraient en défaire tous les nœuds et en découvrir tous les secrets : c’est aussi et surtout un film culte, pourtant encore assez méconnu aujourd’hui. D’ailleurs, bien fou serait celui qui voudrait tout comprendre à Donnie Darko. Le plaisir est peut-être ici justement de ne pas tout comprendre. Voilà pourquoi certains y resteront, légitimement certes, hermétiques.